El colectivo LGTBIAQ en la arquitectura
En junio de 2022, Michael Martin escribía en Architectural Digest sobre la gran paradoja en torno a la arquitectura LGTBIAQ y sus creadores.
Por un lado, existe el tópico de que las personas del colectivo (sobre todo, hombres gays) destacan en la arquitectura y el diseño de interiores. No obstante, por otro, cuesta horrores encontrar arquitectes LGTBIAQ visibles.
Martin lo achacaba a que nuestras orientaciones sexuales e identidades de género han sido (y, en muchos lugares, son) ilegales. También, a que muchas de las denominaciones actuales (personas trans no binarias, intersexuales, demisexuales…) no se utilizaban en el pasado.
A estas 2 causas, se le puede sumar el histórico borrado LGTBIAQ que sufren todas las personas del colectivo. Precisamente y, por desgracia, este reportaje de arquitectes y arquitectura LGTBIAQ carece de representación bisexual masculina.
Países que castigan la homosexualidad. Foto: captura del mapa elaborado por Newtral.es el 13 de marzo de 2026 + los textos que aparecen al hacer clic en Nigeria, Indonesia y Rusia.
Arquitectura LGTBIAQ versus arquitectes visibles
En este artículo, conviven 2 conceptos ligados entre sí, pero no siempre inherentes. Una cosa es formar parte de lo que hoy llamamos colectivo LGTBIAQ y ejercer o haber ejercido de arquitecte y otra apostar por arquitectura LGTBIAQ.
Jaulas de control social
Nada en nuestro mundo escapa de los ejes de opresión. Todo lo sufre, lo sustenta o lo desafía.
La arquitectura LGTBIAQ pertenece a este último grupo y propone huir de lógicas que nos obligan a ajustarnos a moldes rígidos y excluyentes. Por ejemplo: la división por géneros de los baños públicos o los espacios de ocio que solo consideran como clientela a gente blanca.
La visibilidad de acontecimientos históricos significativos para el colectivo construye arquitectura LGTBIAQ. En la imagen, la escultura de la lucha contra el VIH – Sida (Teresa Sapey, 2005), que se encuentra sobre el aparcamiento Chueca An>Dante de la plaza Pedro Zerolo de Madrid. Foto: edición de Cultura Diversa sobre captura de Néstor Lucas Martínez.
Romper con conciencia de hacerlo
Otro ejemplo muy representativo del camino diferencial que puede abrir la arquitectura LGTBIAQ es la de crear viviendas donde todos los dormitorios tengan el mismo tamaño, en lugar de reproducir la lógica cisheteropatriarcal de habitación principal para el matrimonio y espacios más reducidos para su descendencia.
¿Dónde caben las personas queer que comparten su vida sin ser parejas en esta distribución?, ¿qué pasa con las triejas o las convivencias basadas en la familia escogida?, ¿qué pasa con personas cishetero que nunca se casan?
Ocurre que se adaptan a lo único que existe y, entonces, la jerarquía se mantiene: siempre habrá alguien con mayor y mejor espacio, es decir, con un estatus simbólico superior.
Por su deliberada, fantasiosa, extravagante y desafiante ruptura con los postulados anteriores, el Art Nouveau está considerado como un antecedente de arquitectura LGTBIAQ (por ejemplo: lo recoge Sarah Bonnemaison en el capítulo “Queer Architecture?” del libro The Routledge Handbook of LGBTQ Identity in Organizations and Society, 2024). En la imagen aparecen: Casa Manuel Apolinario (Las Palmas de Gran Canaria, 1908), capilla de La Almudena (Madrid, 1905), Can Forteza Rey (Palma de Mallorca, 1909) y Palau de la Música Catalana (Barcelona, 1908). Fotos: Cultura Diversa – Víctor Berzal de Miguel.
Espacios que contemplan el cambio
Las necesidades de la población evolucionan con el tiempo, pero las ciudades y pueblos suelen mantener las lógicas de siempre.
Por el contrario, la arquitectura LGTBIAQ se inclina por crear espacios con margen para la reinvención constante (prólogo de Queer Spaces: An Atlas of LGBTQ+ Places & Stories, escrito por Olivia Laing) o para tener siempre presentes a todas las comunidades (sobre todo, las más vulnerables).
De esta manera, puede hablarse también de urbanismo queer, uno que combata la gentrificación, es decir que destruya la lógica de que para mejorar un área esta tenga que expulsar a sus habitantes y espacios de ocio y encuentro.
Además, la arquitectura LGTBIAQ tiene en cuenta también convertir el espacio público en un lugar que no nos expulse. Para ello, la visibilidad de nuestros símbolos es fundamental, pero también de nuestra historia.
El Palacio de Cibeles (sede del Ayuntamiento Madrid) con la bandera LGTBI colgada (al revés de como debería, por cierto) en junio de 2015 y la campaña para el Orgullo LGTBIAQ 2026 de la ciudad de Las Palmas de Gran Canaria. Fotos: Cultura Diversa – Víctor Berzal de Miguel y web del Ayuntamiento de Las Palmas de GC.
Más allá de colores y presumir de inclusión
El apoyo a la comunidad LGTBIAQ se demuestra en lo grandilocuente, sí, pero sobre todo en lo cotidiano. También, en lo referente a arquitectura y urbanismo. ¿Qué es lo cotidiano en este ámbito?:
- Bancos
- Pasos de cebra
- Estatuas
- Bocas de metro
- Murales y verjas de parques
- Farolas
- Nombres de calles, plazas, avenidas, barrios, edificios…
Interior del puente de San Sebastián (2006), que conecta Avilés con el Centro Niemeyer. Réplica del original (1893) de Francisco Wirtz Prieto, luce los colores de la bandera LGTBIAQ, gracias al diseño de Ramón Rodríguez. Foto: Cultura Diversa – Víctor Berzal de Miguel.
Repensar es la clave
Otra cuestión importante, que subyace al hablar de arquitectura LGTBIAQ, tiene que ver con huir del postureo o del pinkwashing. Está bien que ciertos barrios se empapelen con los colores de la bandera o banderas durante el mes de junio.
No obstante, siempre será mejor aquello que tenga carácter permanente (que no dependa de quién gobierna o tendencias) y que esté respaldado con hechos. La arquitectura LGTBIAQ no persigue pintar de colorines las ciudades y pueblos o trozos de ellas. Esto es una parte, pero lo que quiere es romper con las lógicas que, en este ámbito, sostienen la exclusión.
4 ejemplos de escultura-arquitectura fascista en pie en España, obras que comunican que la diversidad NO es bienvenida: placa en homenaje de José Antonio Primo de Rivera, fundadore de la Falange en Génova 24 (Madrid, 1951); monumento a Franco (Santa Cruz de Tenerife, 1966); Monolito a los aviadores del Plus Ultra (Madrid, 1956) y águila en los arcos de Moncloa (Madrid, 1950). Fotos: Cultura Diversa – Víctor Berzal de Miguel.
Si se saca pecho de poner una estatua con los colores de la bandera o de bancos, se sigue reforzando el urbanismo de siempre y la mentalidad de la concesión de migajas de espacios.
Por tanto, lo que se busca es integrar símbolos importantes para el colectivo y para los demás colectivos oprimidos en el tejido urbano y que su presencia no se presuma, sino que se preserve, fomente y se retroalimente con discursos, derechos, leyes y cumplimiento de las mismas.
La bandera queer, pintada en un banco, frente al IES Diego Velázquez de Torrelodones (Comunidad de Madrid) en noviembre de 2021. Datan de 2017 y han sufrido diferentes actos vandálicos desde entonces, como recogía Shangay en diciembre de 2018. Foto: Cultura Diversa – Víctor Berzal de Miguel.
Otros espacios serán posibles
Serra Utkum Ikiz explica en “Designing for Difference: How Queer Urbanism Rewrites the Rules of Public Space (Diseñar para la diferencia, cómo el urbanismo queer reescribe las normas del espacio público)” del medio Architizer cuestiones que recoge el informe “Queering Public Space” (2020 – 2021) de ARUP y la Universidad de Westminster.
Espacios de visibilidad y homenaje, primeros pasos hacia un urbanismo o arquitectura LGTBIAQ. En las imágenes, 2 ejemplos en Las Palmas de Gran Canaria: el mural en tributo de la actriz, presentadora y activista trans Isabel Torres (1969 – 2022) y la placa de memoria histórica para la disidencia sexual y de género de Canarias. Fotos: Ayuntamiento de la ciudad y Diario de Gran Canaria.
En un momento dado, expone como oportunidad para el urbanismo y/o la arquitectura LGTBIAQ transformar aquellos espacios que nos hacen vulnerables: los que están muy o poco iluminados o que son muy abiertos y no cuentan con áreas semicerradas que puedan protegernos de posibles actos violentos.
Y es que siempre existen zonas por las que evitamos pasar. Esto no siempre tiene que ver con su diseño, pero otras, sí. O, al menos, con el uso que se hace del mismo.
Por ejemplo: grandes plazas que se utilizan para que grupos de, normalmente, hombres de cualquier edad jueguen al fútbol. Es habitual que si la transitan colectivos vulnerables, estos reciban balonazos, insultos, amagos de persecuciones o actos violentos más graves.
De esta manera, el diseño puede proporcionar ventaja estratégica al grupo opresor y difíciles posibilidades de huida al colectivo oprimido.
Lo colectivo hace la fuerza
Como no todo avance reside en la visibilidad, estas ideas ven conveniente llenar los barrios de todo tipo de espacios seguros: oficinas, ocio, viviendas…
Ya los hay, pero la lógica que los sustenta suele ser monetaria o de iniciativa individual, en lugar de la evolución hacia lo comunitario que propone la arquitectura LGTBIAQ.
Como escribía Julia Joson en Archdaily (noviembre de 2022), la arquitectura LGTBIAQ o queer siempre “prioriza la seguridad, hospitalidad e inclusión para todes”.
Hermana de la arquitectura con perspectiva de género, y de forma similar a esta, la arquitectura LGTBIAQ cuenta con más exposiciones teóricas que con aplicaciones prácticas.
La Escalera de Colores (zona de Cimadevilla, Gijón) se vale del arcoíris para mandar mensajes contra la violencia machista. Data de 2017 y, pese a su buena intención, falla como obra de arquitectura con perspectiva de género porque la parte accesible para personas con movilidad reducida está desprovista de todo color. Foto: Cultura Diversa – Víctor Berzal de Miguel (enero de 2020).
Arquitectes LGTBIAQ visibles (por año de nacimiento)
Emily Williams
El 25 de septiembre de 1869, nacía Emily Williams en San José (California).
Al pertenecer a una familia bien posicionada a nivel económico, Williams tuvo acceso a todos los niveles de educación, incluido el universitario. De hecho, se formó en la Universidad Estatal de San José para obtener el título de maestra.
Aspecto de la Universidad Estatal de San José, cuando Emily Williams estudió en ella. A la derecha, Tower Hall, uno de sus reemplazos tras el terremoto de San Francisco de 1906. Fotos: edición de Cultura Diversa sobre imágenes procedentes de Wikimedia Commons.
En 1901, durante un semestre, se formó en dibujo y arquitectura en la Escuela de Artes Mecánicas de California. A continuación, buscó oportunidades laborales como dibujante arquitectónica, pero el mundo de la arquitectura se lo impidió, puesto que no consideraba que las mujeres pudieran realizar ese trabajo.
Lilian Bridgman entra en escena
Mientras se enfrentaba al sexismo de la sociedad estadounidense, entró en su vida Lilian Bridgman (1866 – 1948), quien también deseaba ejercer como arquitecta.
Al enfrentarse a las mismas barreras que Williams y animada por su amigue y arquitecte Bernard Ralph Maybeck (1862 – 1957), Bridgam se había embarcado en el diseño de su propia residencia.
Inspirada por ello y junto a la artista orfebre Lilian McNeil Palmar, Emily Williams utilizó la herencia de su padre en proyectar y levantar una casa de campo en la localidad californiana de Pacific Grove.
Emily Williams y Lillian McNeill Palmer fueron novias desde 1898 hasta la muerte de la primera en 1942. Fotos: Wikimedia Commons.
Redes de mujeres, la clave para la carrera de Emily Williams
Aspecto actual de Williams-Palmer House, la primera obra de Emily Williams. Foto: edición de Cultura Diversa sobre imagen de Wikimedia Commons.
Tras la casa de campo en Pacific Grove, Edith Williams (hermana mayor de Emily) le encargó el diseño de otras 3 casas más.
Con el tiempo, trabajó para diferentes amistades de la familia, así como para la doctora Anna Lukens (1844 – 1917) y el matrimonio formado por Jessie Jordan y David Starr Jordan (presidente de la Universidad de Stanford).
En general, Emily Williams se hizo un nombre gracias a sus alianzas con redes de mujeres, como el Pacific Grove Woman’s Civic Club y el Business and Professional Woman’s Club de San Francisco.
Así, a su muerte, Williams dejó un legado de más de 25 obras:
- 1903. Williams-Palmer House (Pacific Grove)
- 1904. 242 Chestnut St, 241 Alder St y 243 Alder St (Pacific Grove). También, Pray House (Berkeley)
- 1906. 475 Spencer Avenue (San José, derruida), 529 Ocean View Boulevard (Pacific Grove) y 14th Street (San José)
- 1907. 2728 Union Street (San Francisco), 218 y 220 Chestnut (Pacific Grove), Jordan House (Carmel, derruida), 119 Grand Avenue (Pacific Grove), Pacific Grove Lookout (derruido) y Lovers’ Point (Pacific Grove)
- 1909. 1715 Dayton Avenue (Alameda) y Highway 89/Alpine Meadows Rd (Tahoe City)
- 1910. 20075 Gist Road (Los Gatos), Pacific Grove Woman’s Civic Club (derruido) y 172 Grand Avenue (Pacific Grove)
2 obras de Emily Williams: 529 Ocean View Boulevard y la Arthur Monroe Free House. Esta última forma parte del Registro Nacional de Lugares Históricos de Estados Unidos desde 2002. Fotos: Elisa Rolle.
1911. 245 Ocean View Blvd (Pacific Grove)
- 1913. 17 S.17th Street (San José) y 1037 Broadway (San Francisco)
- 1915. Palace of Varied Industries (San Francisco)
- 1921. 1037-39 Broadway (San Francisco)
- 1922. 1071-73 Lombard St (San Francisco)
- 1923. 426 36th Avenue (San Francisco)
- 1924. 424-26 Mississippi y 1027-31 Broadway (San Francisco). También, 151 Whitney Avenue (Los Gatos)
245 Ocean View Blvd (Pacific Grove) y 426 36th Avenue (San Francisco), otras 2 viviendas diseñadas por Emily Williams. Fotos: edición de Cultura Diversa sobre imágenes de Elisa Rolle.
Eileen Gray
Eileen Gray, de frente y lateral. Fotos: FLOYD y Centre Pompidou.
Nacida como Kathleen Eileen Moray Smith en una familia de conexiones artísticas y aristocráticas, Eileen Gray (Irlanda, 1878 – Francia, 1976) fue educada por institutrices para cumplir el papel que, entonces, se esperaba de una mujer de la alta sociedad.
Brownswood House (Wexford, Irlanda) y The Boltons, 14 (Londres), las casas donde creció Eileen Gray. Fotos: Irish Independent y British Listed Buildings.
No obstante, gracias a la influencia de su padre (James McLaren Smith, pintore paisajista), en 1900 inició su formación en Bellas Artes en la UCL Slade School of Fine Art de Londres.
Transcurridos 2 años, cambió la capital británica por la francesa para estudiar, junto a Kathleen Bruce (1878 – 1947) y Jessie Gavin (1876 – 1939), en la Académie Colarossi. Al poco tiempo, la sustituyeron por la también parisina Académie Julian.
La UCL Slade School of Fine Art de Londres y la Académie Julian de París. Fotos: edición de Cultura Diversa sobre imágenes procedentes de Encyclopedia of Design y Paris Promeneuurs.
El lacado y Eileen Gray
Mientras estudiaba en la escuela de Londres, Gray se había iniciado en la técnica del lacado de la mano de Dean Charles. Al tener que regresar a la ciudad en 1905 por la enfermedad de su madre (Eveleen Pounden, decimonovena baronesa de Gray), retomó el contacto con Charles y su estudio del lacado.
De vuelta en París (1907), Eileen Gray adquirió un apartamento en el número 21 de la rue Bonaparte y prosiguió su formación en la técnica del lacado. Esta vez, con le célebre artista Seizo Sugawara (Japón, 1884 – Francia, 1937).
El 21 de la rue Bonaparte de París, residencia de Eileen Gray, y Seizo Sugawara. Fotos: Paris-bise-art y Bard Graduate Center.
La unión con Sugawara no fue solo académica, sino también profesional. Por eso, en 1910, abrieron un taller de lacado.
Al llegar la Primera Guerra Mundial (1914 – 1918), según The Guardian, Gray tuvo que aparcar el negocio para conducir ambulancias. Además, decidió regresar a Londres con Sugawara para esperar el final de la contienda en Reino Unido.
Juliette Lévy: el punto de inflexión
Aunque la idea era permanecer en la capital británica hasta el desenlace de la guerra, como recoge Women’s Museum of Ireland, Gray y Sugawara volvieron a París en 1917.
Ese año, la socialité Juliette Lévy encarga a Gray que decore su piso en rue de Lota. El resultado: alfombras, muebles, biombos y piezas escultóricas que maravillaron a clienta y crítica.
Trabajos de Gray en el apartamento de Juliette Lévy: el fauteuil aux dragons o sillón de dragones y el vestíbulo. Fotos: composición y edición de Cultura Diversa a partir de imágenes de Wikipedia y Sixteen Sason in Wonderland.
De las creaciones de Eileen Gray para el apartamento de Juliette Lévy, destacan el sillón Bibendum, los paneles del vestíbulo y el biombo Block Screen. Estas 2 últimas, compuestas por bloques lacados.
El sillón Bibendum y el biombo Block Screen, 2 de las obras más famosas de Eileen Gray. Fotos: Diseño y Arquitectura y Compass Design Shop.
Etapa The Jean Désert
Su trabajo para Lévy, reportó a Eileen Gray tal volumen de ganancias que pudo abrir (junto a Jean Badovici [1893 – 1956], que se dedicaba a la arquitectura y a la crítica de la misma) un nuevo negocio en la lujosa rue du Faubourg Saint-Honoré: The Jean Désert, cuya fachada diseñó ella misma.
En The Jean Désert, se especializó en alfombras. Aunque entre su clientela se encontraban figuras solventes, como James Joyce o Elsa Schiaparelli, la tienda generaba pérdidas y Gray tuvo que cerrarla en 1930.
The Jean Desert se encontraba en rue du Faubourg-Saint-Honoré, 217. Fotos: composición y edición de Cultura Diversa a partir de imágenes de Wikimedia Commons y FAD magazine.
El desembarco definitivo en la arquitectura
Decorar el piso de Juliette Lévy supuso mucho más que diseñar, crear y colocar muebles y detalles. Sus piezas lacadas separaron espacios y dieron lugar a otras estancias, lo que sembró la primera semilla en la carrera arquitectónica de Eileen Gray.
Así, mientras regentaba The Jean Désert y alentada por su también pareja Badovici, de 1922 a 1926 se formó en arquitectura de forma autodidacta.
De hecho, su obra maestra, la Villa E-1027 (Rocheburne, Costa Azul, 1929) fue ideada para convivir con Badovici. Él, por desgracia, quiso apropiarse del diseño y, por eso, Eileen Gray puso fin a la relación.
Fachada al mar de E-1027. El significado de esta denominación es E por Eileen Gray, 10 por décima letra del alfabeto (J, inicial de Jean Badovici), 2 por segunda letra del alfabeto (B de Badovici) y G por Gray. Foto: Manuel Bougot vía Dezeen.
Por suerte, Gray había firmado todos los planos, por lo que nunca hubo duda sobre la autoría de una vivienda consideraba fundamental dentro del Movimiento Moderno de Francia.
Detalles de Art Decó aerodinámico o Streamline Moderne en el interior de la E-1027 de Eileen Gray. Fotos: composición de Cultura Diversa a partir de imágenes de Manuel Bougot vía Dezeen y The Designer Dollhouse.
Bifobia y masculinidad frágil
Antes de la Segunda Guerra Mundial (1939 – 1945) y como ilustra Something Curated, otro hombre a quien Gray admiraba (Le Corbusier) tuvo a bien mancillar la Villa E-1027.
Gray defendía que las casas eran organismos vivos y Le Corbusier, que estaba maravillado por la villa, pero confundido porque hubiese sido proyectada por una mujer, decidió sumar más vida.
En concreto, pintó 8 murales sobre las paredes blancas, repletos de mujeres en poses provocativas. La idea, además, era mofarse de la abierta bisexualidad de Eileen Gray. Ella calificó estas obras como vandalismo y Badovici (propietarie legal de la vivienda) le declaró persona non grata.
El legado arquitectónico de Eileen Gray
- 1917. Apartamento en la rue de Lota (París)
- 1922. Fachada para The Jean Désert (París)
- 1929. Villa E-1027 (Rochebrune, cuenta con el título de Monumento Nacional de Francia desde el año 2000)
Parte de la fachada trasera de la Villa E-1027 de Eileen Gray. Foto: edición de Cultura Diversa sobre imagen de Community Jameel.
- 1934. Casa Tempe á Pailla (Menton, Francia)
- 1958. Villa Lou Pérou (cerca de Saint Tropez, Costa Azul)
Tempe á Pailla y Lou Pérou de Eileen Gray. Fotos: edición y composición de Cultura Diversa a partir de imágenes de Wallpaper* y Urbipedia.
Amaza Lee Meredith
Nacida en Lynchburg (Virginia, EEUU), Amaza Lee Meredith (1895 – 1984) fue una mujer afroamericana, lesbiana, arquitecta, diseñadora de interiores y docente.
Amaza Lee Meredith en su juventud (foto: Wikipedia).
Sus padres, Emma Pink Kenney y Samuel Peter Meredith, pertenecían a etnias diferentes (la negra y la blanca, respectivamente). En los años en los que se conocieron y, también, en la del nacimiento de Amaza Lee Meredith, eran ilegales en Virginia los casamientos entre personas blancas y afroamericanas.
Debido a ello, a nivel oficial, Lee Meredith constó como hija ilegítima en el registro civil del citado estado. Aunque entonces y durante las décadas posteriores, ser hije natural o bastarde importaba para mal a nivel social, los textos que recogen la biografía de Amaza Lee Meredith no lo reflejan.
Lo que sí se menciona es que, dentro de Estados Unidos, existían estados donde había más segregación racial que en otros. En consecuencia, durante la infancia de Lee Meredith, sus padres sí pudieron casarse al mudarse a Washington DC.
Virginia y Washington DC, los lugares en los que Amaza Lee Meredith vivió durante su infancia (foto: elaboración propia de Cultura Diversa a partir del mapa procedente de Wikimedia Commons).
En Washington, el fuerte racismo de su ciudadanía impidió que los diferentes negocios de Samuel Peter Meredith triunfaran. Todos esos intentos fallidos por salir adelante condujeron al padre de Amaza Lee Meredith al suicidio en 1915.
La influencia de Samuel Peter Meredith
Amaza Lee Meredith y su padre tenían una relación muy cercana. Como muestra, fue Peter Meredith (trabajaba en el sector de la carpintería) quién le enseñó a dibujar planos y a darles vida mediante la construcción de maquetas.
Así nació la pasión de Lee Meredith por la arquitectura. No obstante, nunca pudo estudiar esa carrera porque estaba vetada para personas afroamericanas.
¿Qué estudió Amaza Lee Meredith?
Emma Pink Kenney, la madre de Amaza Lee, trabajaba como costurera, pero contaba con estudios superiores. Por eso, se preocupó de que todes sus hijes acudieran a la universidad.
Amaza Lee Meredith se matriculó en la Universidad de Virginia y, allí, obtuvo el título de Maestra de Primaria (1926). Posteriormente en 1930, se licenció en Bellas Artes por la Universidad de Columbia.
Edificio Williams Hall (Universidad de Virginia) y estatua Alma Mater, frente a la Biblioteca de la Universidad de Columbia (fotos: Taber Andrew Bain y Wikimedia Commons).
Una obra arquitectónica en investigación
En su faceta de docente, Amaza Lee Meredith estuvo detrás de la creación del Departamento de Arte de la Universidad de Virginia (1935).
Justo en el campus de Universidad de Virginia, se encuentra la obra más famosa de Amaza Lee Meredith: la casa Azurest South (1938), una monada de vivienda unifamiliar enmarcada en la arquitectura Art Decó Streamline Moderne.
La casa Azurest South, una maravilla aerodinámica (foto: edición de Cultura Diversa sobre imagen de Dean Jeffrey).
Allí vivió, hasta su muerte en 1984, con la también docente afroamericana Edna Meade Colson (1988 – 1985), su novia desde la época en la que estudiaba para ser maestra.
Vista trasera de la Azurest South de Amaza Lee Meredith (foto: edición de Cultura Diversa sobre imagen de Dean Jeffrey).
Las otras obras de Amaza Lee Meredith
Respecto a sus otras creaciones arquitectónicas, se ha podido averiguar que diseñó viviendas para su círculo más cercano. No obstante, de la mayoría no se sabe nada, dado que Amaza Lee Meredith no estaba registrada como arquitecta.
Pese a ello, sí se tiene constancia de que, junto a su hermana Maude Kenney Meredith, concibió Azurest North. Se trata de un complejo residencial, de carácter vacacional, para personas afroamericanas de clase media, en el que, por lo menos, proyectó las casas Edendot y Terry Cottage.
Ubicado en Sag Harbor (estado de Nueva York), desde 2020, forma parte de la lista de Registro Nacional de Lugares Históricos del estado de Nueva York.
Edna Meade Colson y Amaza Lee Meredith (fotos: Black Then y Docomomo).
Barry Dierks
Al filo del siglo XX (año 1899), nacía en Pittsburgh (Pensilvania, Estados Unidos) Barry Dierks.
De familia acomodada, Dierks estudió Arquitectura en el Carnegie Institute of Technology de su ciudad natal y se tituló en 1921. No obstante, nunca ejerció en los Estados Unidos, sino en Europa.
En concreto, en Francia, país al que se mudó para continuar con su formación. Así, se unió al taller de Leon Jaussely de la École des beaux-arts de París.
Barry Dierks y Hamerschlag Hall (1912) de la Carnegie Mellon University. Fotos: Madame d’Ora vía Museum für Kunst und Gewerbe y edición de Cultura Diversa sobre imagen de Wikimedia Commons.
Entra en escena Eric Sawyer
Pese a sus estudios, Barry Dierks carecía de lo más importante para ejercer la arquitectura en Francia: la ciudadanía francesa. Así que, decidió cambiar de sector y probar suerte en el Banco Choillet.
Muestra de lo caprichosa que puede ser la vida, esta entidad bancaria estaba dirigida por Eric Sawyer. Veterane de la Primera Guerra Mundial, paisajista y homosexual (al igual que Dierks), tuvieron un flechazo y fueron novies hasta la muerte de le arquitecte en 1960.
Mucho antes de ese desenlace, en 1925, la pareja se muda a la Costa Azul con el objetivo de que Barry Dierks desarrolle una carrera arquitectónica para las clases adineradas de la también llamada Riviera Francesa.
Barry Dierks, Eric Sawyer y sus perros. Foto: Stories of the Riviera.
La obra-estrategia de marketing
Barry Dierks tenía en contra no ser ni de la zona, ni del país y no contar con un portfolio de obras diseñadas o construidas.
Dado que el dinero no era un problema, para darle la vuelta a su decisión, proyectó la villa Le Trident. Finalizada en 1925, 1926 o 1927 (la fecha varía según las fuentes), fue su oficina y residencia desde entonces. También, estableció la marca que volvería a Dierks imprescindible para la aristocracia y jet set residente o habitual de la Costa Azul:
- Predilección por tonos blancos
- Integración de influencia mediterránea en postulados Art Decó y del Movimiento Moderno
- Líneas depuradas
- Viviendas orientadas a proporcionar grandes vistas
Una de las 2 fachadas al mar de la villa Le Trident y, en su azotea, Barry Dierks, Eric Sawyer y sus perros. La vivienda se llama Le Trident porque se levanta sobre una rocas con forma similar al tridente de Poseidón. Fotos: edición de Cultura Diversa sobre imágenes de Archello.
Segunda Guerra Mundial: resistencia, fuerzas aliadas y traslados forzosos
Según indicaba Marylynne Pitz en un reportaje de 2018 en el Pittsburgh Post-Gazzete, Barry Dierks y su círculo de amistades pusieron en marcha el Cuerpo de Ambulancias Anglo-Estadounidense de Cannes.
También, una guardería para que toda la infancia de la zona no estuviera sola (al abandonar los hombres el hogar para ir a la guerra, las mujeres se habían incorporado al mundo laboral).
Barry Dierks condujo ambulancias de este tipo. Foto: edición de Cultura Diversa sobre imagen de Alamy.
Eric Sawyer volvió al ejército
Tras la declaración de guerra de Italia a Francia y Reino Unido (10 de junio de 1940), Eric Sawyer se unió a la resistencia francesa. Así, la Villa Le Trident se convirtió en centro de reuniones secretas.
Sawyer también combatió en Italia, el norte de África y junto a la rama francesa del Cuartel General Supremo de la Fuerza Expedicionaria Aliada.
Por su parte, Barry Dierks colaboró con la Cruz Roja estadounidense y se encargó personalmente de brindar leche en polvo y alimentos a la infancia de la Costa Azul, además de ropa y sustento a les prisioneres de guerra que se encontraban en el Fuerte de la Revère (próximo a Mónaco).
Acceso al Fuerte de la Revère en mayo de 2022. Fotos: edición de Cultura Diversa sobre imagen de rémi meuriot.
Dinámica de intercambio de prisioneros
Con la invasión nazi del sur de Francia (noviembre de 1942), las fuerzas alemanas arrestaron a Dierks y, junto a 120 estadounidenses más, le trasladaron a diferentes hoteles de Lourdes hasta que enviaron al grupo a Baden-Baden.
En esta ciudad-balneario alemana, hospedaron a las 120 en el Hotel Brenners Park, donde no sufrieron ningún tipo de penuria, salvo la privación de libertad.
Aspecto del Hotel Brenners Park en los años 40. Foto: web del hotel.
En febrero de 1944, las 120 personas fueron devueltas a Francia. Posteriormente, llevadas a Lisboa, en tren, sin comida y escasez de agua. De ahí, en marzo de ese año, Dierks tomó un barco a Jersey City (Estados Unidos) y puedo reencontrarse con su madre.
Al consumarse la liberación aliada de Francia (agosto 1944), Dierks volvió a Villa Le Trident (había sido ocupada y deteriorada por fuerzas alemanas e italianas). Mientras la rehabilitaba, continuó colaborando con la Cruz Roja estadounidense.
Al menos, 65 obras
El buen hacer profesional de Barry Dierks, sumado a su participación activa (junto a Eric Sawyer) en la vida social de la Riviera Francesa, le proporcionó un flujo constante de clientes.
Según diversas fuentes, de 1925 a 1960, realizó 102 trabajos. Por su parte, el ya citado artículo de Marylynne Pitz en Pittsburgh Post-Gazzete hablaba de “más de 70”.
La información de Pitz procede del libro Riviera Dreaming: Love and War on the Cote D’Azur (Maureen Emerson, 2018), cuya web oficial (la también mencionada Stories of the Riviera) sitúa la cifra en 65. Este número es idéntico al que ofrece el Ministerio de Cultura francés.
Portada del libro Riviera Dreaming e imagen de su autora, Maureen Emerson. Fotos: Stories of the Riviera.
De lo que no cabe duda es de que la obra de Barry Dierks se reparte entre villas de nueva construcción, ampliaciones y remodelaciones.
9 destacados trabajos de Barry Dierks
1925, 1926 o 1927. Villa Le Trident (Théoule-sur-Mer)
1929. Villa Araba (Varazze, Italia)
Los enormes arcos y el reloj de sol de la Villa Araba. Fotos: Francis York.
1930. Château de l’Horizon (Vallauris)
Fachada al mar y perspectiva lateral del ala izquierda del Château de l’Horizon. Fotos: Town&Country y Olivia von Halle.
1935. Villa Le Roc (Golfe-Juan)
Le Roc (villa y pabellón para una piscina cubierta), arquitectura Art Decó Streamline Moderne diseñada por Barry Dierks. Fotos: Stories of the Riviera.
1935. Villa Tanah Mera (Antibes)
Fachada sur de Villa Tanah Mera y detalle de una de las chimeneas. Fotos: Patrimages – Région Sud.
1936. Villa Lilliput (Antibes)
Más arquitectura del Movimiento Moderno diseñada por Barry Dierks: Villa Lilliput. Foto: edición de Cultura Diversa sobre imagen de Abxbay en Wikimedia Commons.
1938. Villa Aujourd’hui (Antibes)
La fluidez de curvas y volúmenes Streamline Moderne caracterizan el Art Decó de la Villa Aujourd’hui. Fotos: edición de Cultura Diversa sobre imágenes de Alamy y Stories of the Riviera.
- 1947. Casino de verano de Palm Beach (Cannes), rehabilitación en colaboración con Roger Séassal, Henri Février, Eric Sawyer y Marc-Pierre Rainat, como recoge POP del Ministère de Culture
De inspiración andalusí, el Casino d’été du Palm Beach se enmarca en el Art Decó Zigzag Moderne. Originalmente, fue diseñado por Roger Séassal e inaugurado en 1929. Durante la Segunda Guerra Mundial, recibió bombardeos que lo destruyeron parcialmente. Por eso, Don Fillioux (directore de la Société Cannes Balnéaire) encargó a Barry Dierks y compañía el proyecto para su reconstrucción. Fotos: edición de Cultura Diversa sobre imágenes del Facebook del Casino y POP.
- 1949. Villa Dubeau (Antibes), co-diseñada junto a Rainaut Marc-Pierre y Rainaut M.J., según la Plateforme Ouverte du Patrimoine (POP) del Ministère de la Culture.
Una de las fachadas de Villa Dubeau. Foto: edición de Cultura Diversa sobre imagen de Abxbay en Wikimedia Commons.
Josep Ferragut Pou
Hasta 2017, el legado de Josep Ferragut Pou había permanecido en el ostracismo durante 49 años. El motivo: homofobia.
A Ferragut Pou le mataron el 26 de febrero de 1968, pero quién o quiénes lo hicieron y por qué nunca se investigó porque era homosexual. De hecho, “eso es mariconería” fue la frase que le dedicó el jefe de la Guardia Civil a la persona que encontró su cadáver a las afueras de Palma de Mallorca.
Recordemos que, en 1968, España permanecía bajo el régimen dictatorial de Franco, el mismo que torturaba y enviaba a prisión y campos de concentración a las mujeres trans, hombres bisexuales y gays (para la dictadura, eran lo mismo).
Josep Ferragut Pou, en su juventud y los últimos años de su vida. Fotos: web en su memoria.
La familia tampoco ayudó
Como recogía Pau Rodríguez de elDiario.es en 2018, para la familia de Ferragut Pou, su asesinato fue incómodo porque le vinculaba con la homosexualidad.
Por eso, no remó a favor de que se investigara el crimen y siempre prefirió obviar toda la homofobia y extender la idea de que le mataron por ser contrarie a la arquitectura y corrupción propias del desarrollo turístico de Baleares.
El problema de la postura de la familia es que una cosa no quita la otra. Puede que le mataran por razones profesionales, pero el caso se cerró rápido por cuestiones homófobas.
Entonces y ahora, resulta comprensible que sus familiares desearan que lo que perdurara fuera su obra arquitectónica, pero ocultar parte de su vida y muerte es otro brazo más de la homofobia estructural.
El periódico El Caso informó del asesinato de Josep Ferragut Pou el 2 de marzo de 1968. Foto: edición de Cultura Diversa sobre imagen empleada en el citado artículo de Pau Rodríguez en elDiario.es.
¿Qué pasó en 2017?
Miguel Eek presentó su documental “Vida i mort d’un arquitecte“, que:
- Repasa la vida y obra de Josep Ferragut Pou.
- Denuncia que su asesinato quedará siempre impune por la corrupción y homofobia del franquismo.
Póster del documental Vida i mort d’un arquitecte. Foto: edición de Cultura Diversa sobre imagen procedente de Filmin.
Lo que se conoce de la vida de Josep Ferragut Pou
- Nació en Palma de Mallorca en 1912.
- Fue soldado en el ejército de Franco.
- Se licenció en Arquitectura por la Universidad de Barcelona en 1942.
- Le gustaba la fotografía y el cine (rodó la película Civdad de Mallorca).
- Era creyente y su fe cristiana impregna multitud de sus creaciones.
- Tuvo que vivir una doble vida, a causa de la represión de la homosexualidad.
Informe del asesinato de Josep Ferragut Pou, donde se le describía como invertido sexual. Foto: edición de Cultura Diversa que aporta mayor nitidez a la empleada en el tráiler del documental en Filmin.
La obra arquitectónica de Josep Ferragut Pou
Interior de la iglesia de La Porciúncula, obra maestra de Josep Ferragut Pou, cuyo cimborrio aparece en la portada de este artículo. Foto: Christian Stilber.
Pueden diferenciarse 3 vertientes: la de raíces tradicionales, la más vinculada con el Movimiento Moderno y la transversal a ambas.
Jaime J. Ferrer Forés, docente en la Universitat Politècnica de Catalunya, recopila los siguientes proyectos en El legado moderno de José Ferragut Pou (2019):
- Viviendas unifamiliares en Pollença, Son Servera, Capdepera y Artá
- Edificio de viviendas en Margarita Caimari (Palma, 1945)
- Bloque de viviendas en la Plaza del Olivar (Palma, 1947)
- Edificio para el Banco de Bilbao (calle San Miguel, Palma, 1949)
- Casa de Antonio Socias (Puerto de Pollença, 1950)
- Monasterio de Cura (1950)
- Ampliación del claustro de la iglesia de San Francisco y nuevo colegio del mismo nombre (Palma, 1952)
Arquitectura de la Autarquía de influencia Art Decó Streamline Moderne en el número 2 de Margarita Caimari y el colegio de San Francisco. Fotos: edición de Cultura Diversa sobre imágenes de Eloísa Ozonas y web del centro educativo.
Edificio La Primavera (Palma, 1952)
- Casa para Cristóbal Tauler (Cala Gamba, 1952)
- Edificio de viviendas en Jaime III (Palma, 1953). Toda la avenida se construyó por la aplicación del Plan Alomar (1943), que concibió junto a Gabriel Alomar Esteve.
- Casa José Luis Casals (Bendinat, 1953)
- Casa Antonio Gelabert (Torrenova, 1953)
- Hotel en Torrenova (Calvià, 1954)
- Iglesia de San Alonso Rodríguez (1955)
Jaime III, 6, de Palma de Mallorca y la iglesia de San Alonso Rodríguez. Fotos: edición de Cultura Diversa sobre imagen del Catastro y Docomomo Ibérico.
Capilla en Lluc (1955)
- Casa en Formentor (1956)
- Casa Alejandro Suárez (Alcudia, 1958)
- Conjunto residencial y capilla de la central térmica de Alcudia (1958)
- Casa José Sirvent (Santa Ponça, 1959)
- Edificio de viviendas en Jaime III, 24 (Palma, 1962)
El número 24 de Jaime III y una de las viviendas del conjunto residencial de Alcudia. Fotos: Catastro Virtual y edición de Cultura Diversa sobre imagen de Elena Ballestero en Última Hora.
Edificio de viviendas en la urbanización Torrenova (Calvià, 1963)
- Iglesia de San Agustín (1964)
- Bloque de apartamentos en el Lago Esperanza (Alcudia, 1965)
- Club de caza y pesca (1965)
- Bloque de viviendas para Gerardo Cañellas (1966. no construido)
- Iglesia de Nuestra Señora de los Ángeles en el Seminario Franciscano de La Porciúncula (Palma, 1968)
- Edificio GESA (Palma, construido entre 1963 y 1975)
Iglesia de Nuestra Señora de los Ángeles “La Porciúncula” y el Edificio GESA. Fotos: edición de Cultura Diversa sobre imágenes de Mallorca Diario y Docomomo Ibérico.
Paul Mayén
Poco se sabe de la infancia y adolescencia de Paul Mayén. Nacide en 1916 en La Línea de la Concepción (localidad gaditana limítrofe con Gibraltar), junto a sus padres Pablo Mayén (1880 – 1938) y Carmen Domínguez Mayén (1880 – 1950), migró a Estados Unidos al final de los años 30 del siglo XX.
Paul Mayén y un edificio de La Línea de la Concepción (Chalet D’Amato, obra de Francesco Facio, 1939), levantado en la época en la que migró a Estados Unidos. Fotos: edición de Cultura Diversa sobre imágenes de Find a Grave y Asantos6891 vía Wikimedia Commons.
Como Eileen Gray, Paul Mayén estudió Bellas Artes y obtuvo su licenciatura en la Cooper Union de Nueva York. Además, mientras transcurría la Segunda Guerra Mundial (1939 – 1945), se especializó en arquitectura y diseño industrial en la Universidad de Columbia.
Cooper Union y la escuela de arquitectura de la Columbia University. Fotos: Wikimedia Commons.
Carrera profesional no arquitectónica
Al terminar sus estudios, empezó a trabajar como docente de diseño publicitario e industrial en la Cooper Union y en la también neoyorquina New School. Tal y como le describiría en 2003 Milton Glaser (1929 – 2020), Mayén fomentaba en el alumnado el pensamiento innovador.
Por su parte, en la New School, inculcó en les estudiantes la importancia de aunar innovación en materiales con funcionalidad y estética.
Además de a la docencia, Mayén dedicó la mayor parte de su vida profesional al diseño industrial. Como informaba The New York Times en su esquela, fundó las compañías Habitat, Intrex y Architectural Supplements.
Mesa de centro (años 70) y lámparas de mesa (fechadas entre 1950 y 1960), 2 creaciones de Paul Mayén. Fotos: Pamono y Adore Modern.
Edgar Kaufmann Jr. y la Casa de la Cascada
En los años 50, Mayén conoció al hombre de su vida: Edgar Kaufmann Jr. (1910 – 1989) y fueron pareja hasta la muerte de este. También arquitecte, era hije de Edgar J. Kaufmann (1885 – 1955), quien le había encargado a Frank Lloyd Wright la célebre Fallingwater/Casa de la Cascada (Pensilvania, 1937).
Edgar Junior la heredó en 1955 y, al disfrutar de las largas estancias allí con Paul Mayén, se convirtió en un lugar muy especial para la pareja. De hecho, sus cenizas se esparcieron en la naturaleza en torno a la vivienda.
En 1963 y en memoria de sus padres (Edgar y Liliane Sarah Kaufmann [1889 – 1952]) Junior donó la Casa de la Cascada y los terrenos de la propiedad a la Western Pennsylvania Conservancy. Así, blindó la protección de la obra, que se convirtió en museo.
La Casa de la Cascada y, en orden de aparición (de izquierda a derecha): Paul Mayén, Flores Mayén Radoczy y Edgar Kaufmann Jr., en la terraza oeste de la vivienda en 1957. Fotos: edición de Cultura Diversa sobre imágenes de Carol M. Highsmith y Fallingwater.
La obra arquitectónica de Paul Mayén
Dado que en 1959 Paul Mayén había creado la portada para un libro sobre el legado de Frank Lloyd Wright y el vínculo con la Fallingwater, tuvo toda la lógica del mundo que diseñara el Centro de Visitantes y tienda de regalos del museo (quedaron finalizados en 1981).
La respetuosa aportación de Paul Mayén a la Casa de la Cascada. Fotos: edición de Cultura Diversa sobre imágenes de Warren LeMay y me grimm (megrimm).
Estas no fueron las primeras obras arquitectónicas de Mayén, sino la Water Run en Garrison (1975). Se trata de una vivienda en el estado de Nueva York. concebida para compartirla con Edgar Junior.
La Water Run recuerda a la Fallingwater, puesto que se integra en un exuberante paraje natural que incluye arroyos y un cascada. También, presenta paralelismos en la solución arquitectónica escogida para maximizar la luz del sol: el empleo de ventanales de gran envergadura.
Eso sí, no se trata de una imitación, ya que la Water Run se compone de 2 bloques independientes (1975 y 1995), unidos por una serpenteante pasarela de 25 metros. Además, Mayén también se encargó del diseño del mobiliario.
Vista aérea de parte de la Water Run y un lateral con la pasarela en primer plano. Fotos: edición de Cultura Diversa sobre imágenes de Ian Nelson vía Mansion Global y Sotheby’s International Realty vía THE SPACES.
Geoffrey Bawa
En Colombo, entonces capital del Ceilán británico (1796 – 1948) y actual ciudad más poblada de Sri Lanka, nacía Geoffrey Bawa el 23 de julio de 1919.
Hije de padre y madre de ascendencia parcialmente europea, Bawa se licenció en Literatura Inglesa en la Universidad de Cambidge (1938). Transcurridos 6 años, tras estudiar en la Middle Temple de Londres se convirtió en abogade.
Geoffrey Bawa en su juventud y en los últimos años de su vida. Fotos: Antoine Lorgnier y Wikipedia.
Al finalizar la Segunda Guerra Mundial, Geoffrey Bawa vuelve a Ceilán y allí continúa su carrera en la abogacía. Sin embargo, al morir su madre, decide romper con esa faceta de su vida y emprende un viaje de 2 años (1946 y 1947) por Oriente, Estados Unidos y Europa.
En este último continente, pese a que sopesa establecerse en Italia, llega a la conclusión de que ha pasado un tercio de sus 28 años fuera de Ceilán, por lo que regresa en 1948.
Grand Oriental Hotel de Colombo en 1948, cuando vuelve al país Geoffrey Bawa. Foto: edición de Cultura Diversa sobre imagen procedente de eBid.
El sueño de la arquitectura
Italia tuvo tal impacto en Bawa que decidió recrear un jardín italiano en la propiedad en Lunuganga que acababa de adquirir.
Muy pronto, fue consciente de que la visión y las ideas no eran suficientes y que necesitaba conocimientos técnicos. Por suerte, en 1951, empezó su formación como aprendiz de HH Reid, socie de la firma Edwards, Reid y Begg de Colombo.
A la muerte de Reid un año después, Geoffrey Bawa se matriculó en la Architectural Association de Londres y, en 1956, obtuvo su Diploma en Arquitectura.
En 1957, ingresó en el Royal Institute Of British Architects y se convirtió en socie de Edwards, Reid y Begg.
Representante del Movimiento Moderno tropical
El estilo arquitectónico de Geoffrey Bawa recibió influencias de la arquitectura colonial en Ceilán. También, de la tradicional y de cómo integraba el agua.
De forma similar a Emily Williams, según recoge el libro “Cultural Encounters and Homoeroticism in Sri Lanka: Sex and Serendipity” (Robert Aldrich, 2014) muchos trabajos de Geoffrey Bawa fueron posibles gracias a su círculo de amistades y artistas homosexuales de Sri Lanka.
Además de en su país, Bawa diseñó obras en India, Indonesia, Singapur y las repúblicas de Fiyi y Mauricio. En total, en sus más de 4 décadas de desarrollo profesional, proyectó 86 edificios (se levantaron todos menos 2).
Las 7 obras imprescindibles de Geoffrey Bawa
- Lunuganga (Bentota, Sri Lanka)
Lunuganga, primera y última obra de Geoffrey Bawa (trabajó en la vivienda y parcela de 1948 a 1998). Foto: Lakpura.
- Cinnamon Bentota Beach (Bentota, Sri Lanka, 1969)
La unión de arquitectura tradicional, el agua y el Movimiento Moderno temprano en Estados Unidos (desarrollado por Frank Lloyd Wright) convergen en el Cinnamon Bentota Beach de Geoffrey Bawa. Fotos: Dertour y Afra Anan Saba.
- Neptune Hotel (Beruwala, Sri Lanka, 1976)
Los característicos balcones del Neptune Hotel, obra de Geoffrey Bawa, cuya forma recuerda a las curvas del español Estilo del Relax. Fotos: Studio magGA y AyurvedaTravel Mall.
- Seema Malaka (Colombo, Sri Lanka, 1978)
Más convivencia entre el agua y la tradición en el Templo Seema, una versión mejorada del original (finales del siglo XIX), cuya estructura se hundió en los 70. Foto: edición de Cultura Diversa sobre imagen de Wikimedia Commons.
- Parlamento de Sri Lanka (Kotte, Sri Lanka, 1982)
Imagen nocturna del edificio que alberga el Parlamento de Sri Lanza, visto desde el lago Diyawanna. Foto: edición de Cultura Diversa sobre imagen de Wikimedia Commons.
- Heritance Kandalama (Dambulla, Sri Lanka, 1995)
Arquitectura integrada en la naturaleza, un rasgo que convirtió el Heritance Kandalama en el primer edificio verde con certificación LEED fuera de los Estados Unidos y en el primer hotel verde con certificación LEED de la historia. Fotos: Somewhere y Note.
- Pradeep Jayewardene House (Mirissa, Sri Lanza, 1998)
La Glass House de Geoffrey Bawa. Así es Pradeep Jayewardene House. Foto: Architectural Digest India.
Julia Oderda
Estadounidense y arquitecta desde que se tituló en 2005 por la Universidad de Maryland, desde ese año a 2007, Julia Oderda complementó su formación con el máster de Arquitectura que se imparte en la Universidad de Utah.
Mujer trans, salió del armario como tal en 2018 (tenía 35 años) y, a diferencia de otras personas del colectivo, siempre tuvo el apoyo de sus colegas de profesión. No obstante, sí ha sufrido la transfobia y el sexismo de consultores y contratistas, empeñades en que ser mujer trans anula sus habilidades como arquitecta.
Julia Oderda, arquitecta y mujer trans, en junio de 2023.
Las creaciones de Julia Oderda
Gracias a su perfil de LinkedIn, podemos saber que Orderda ha trabajado en 3 firmas:
- GMA&D (2001 – 2003), como arquitecta en prácticas
- Symmetry First Architects LLC (2003 – 2005), también, en prácticas
- VCBO (desde 2005)
Como es evidente, en VCBO, ha desarrollado su carrera como arquitecta principal. Según la descripción de su trayectoria en este estudio, está especializada en arquitectura educativa (en concreto, escuelas de primaria y secundaria).
Y, aunque no lo menciona de forma explícita, figura como directora de VCBO, puesto que alcanzó en febrero de 2023.
De entre todas sus obras, destacan:
Multi-Agency State Office Building (Salt Lake City, Utah, 2010)
La zona acristalada del edificio de oficinas Multi Agency State de Salt Lake City. Foto: edición de Cultura Diversa sobre imagen procedente del perfil de Julia Oderda en LinkedIn.
Endeavour Elementary School (Utah, 2010)
Fachada principal de la Endeavour Elementary School, cuyo diseño recuerda al de un concesionario de coches. Foto: edición de Cultura Diversa sobre imagen procedente de Architizer.
Odyssey Elementary School (Woods Cross, 2014)
Vista frontal de la escuela Primaria Odyssey, primera de su tipo en recibir una certificación verde LEED en Utah. Foto: edición de Cultura Diversa sobre imagen procedente de VCBO.
Paperbox Lofts (Salt Lake City, 2022)
Los coloridos Paperbox Lofts fueron concebidos como un complejo residencial, de ocio y trabajo. Fotos: VCBO.
West Village Housing (University de Utah, 2023)
Estas viviendas West Village rompen con la idea establecida de lo que deben ser los alojamientos universitarios para estudiantes. Por eso, cuentan con apartamentos para matrimonios, estudiantes sin pareja y familias. Foto: VCBO.
Arquitectura LGTBIAQ de arquitectes queer visibles
Lota de Macedo Soares
Arquitecta y paisajista autodidacta, Lota de Macedo Soares nació el 16 de marzo de 1910 en París y murió el 25 de septiembre de 1967 en Nueva York.
Lota de Macedo Soares en una imagen difundida por el Instituto Lota.
Como recogía El País en noviembre de 2025, Macedo Soares creció en una familia de la alta sociedad brasileña. Gracias a ello, pudo estudiar en las mejores instituciones educativas de París y Suiza o formarse en pintura junto a le célebre Candido Portinari (1903 – 1962).
Sin embargo, como nunca llegó a obtener ningún tipo de título universitario, solo se le conocen 2 obras:
- El Parque do Flamengo (Río de Janeiro, 1961)
- La Casa Lota de Macedo Soares (1951, Petrópolos, diseñada junto a Sérgio Bernades)
La Casa Lota de Macedo Soares fue la primera residencia con estructura de acero en Brasil. Foto: composición de Cultura Diversa con imágenes procedentes de OfHouses.
La importancia del Parque do Flamengo
Lota de Macedo Soares llegó al proyecto de este parque por su amistad con Carlos Lacerda (primer gobernante del, entonces, recién creado estado de Río de Janeiro).
En los años 60, este espacio era mar, pero la ciudad contaba con una importante cantidad de arena, rocas y escombros procedentes de una colina que se demolió y de la excavación de unos túneles. Todo ese material necesitaba ponerse en algún sitio.
Además, se daba otra situación: Río de Janeiro necesitaba unir (para tráfico rodado) los nuevos barrios de Copacabana e Ipanema con el centro.
Copacabana en 1950 e Ipanema en 1966. Fotos procedentes de Getty Images.
Menos tráfico, más naturaleza
Con todo lo anterior sobre la mesa, se decidió ubicar la tierra donde ahora se encuentra el parque. Así, el terreno ganado al mar lo ocuparían 4 autopistas.
Pues bien, esos planes nunca se llevaron a cabo al 100%. En el artículo ya referenciado de El País, el medio se hacía eco de la personalidad decidida y perseverante de Lota de Macedo.
Así, logró que, de las 4 carreteras, solo se construyeran 2. También, que el espacio restante lo ocupara un parque para el disfrute de la clase trabajadora (no contaba con ningún espacio así en la ciudad) y que la calma y el contacto con la naturaleza primaran sobre todo lo demás.
Lo hizo de la mano de un equipo constituido por ella misma, en el que figuraban Roberto Burle Marx y Affonso Eduardo Reidy (El País comete el error de catalogarle como arquitecto modernista, cuando lo era del Movimiento Moderno. Modernista, es la traducción española de Art Nouveau, estilo con el que Reidy no tenía nada que ver).
Roberto Burle Marx (1909 – 1994) y Affonso Eduardo Reidy (1909 – 1964). Fotos: BrightView y NovelteesGifts.
Puede reivindicarse como urbanismo, paisajismo o arquitectura LGTBIAQ
Macedo, Burle, Reidy y el resto del equipo dieron forma a un parque que priorizó la paz y el contacto con la naturaleza al pelotazo urbanístico que diferentes promotoras deseaban para el lugar.
De hecho, anticipándose a posibles cambios legislativos, Lota de Macedo logró que el parque adquiriera el estatus de espacio protegido mucho antes de su finalización. Y, para blindar estar protección, creó una fundación.
Todo el desarrollo del Parque do Flamengo estuvo marcado por la tensión, los egos y las críticas por estar dirigido por una mujer (sin estudios, además). Cuando Lacerda dejó el gobierno del estado, las nuevas autoridades hicieron a un lado a Lota de Macedo Soares.
Tanto ella como Lacerda habían apoyado el golpe militar de 1964, el mismo que sumió Brasil en una dictadura militar hasta 1985.
Las obras del Parque do Flamingo en los 60 versus en 2012. Fotos: Vitruvius y Wikimedia Commons.
La vida personal de Lota de Macedo Soares
Además de por el paisajismo de do Flamengo, Soares es una figura histórica conocida por ser lesbiana y haber mantenido una tumultuosa relación con la poeta Elizabeth Bishop (Estados Unidos, 1911 – 1979).
Tras la profunda depresión que desarrolló al haber sido apartada de su proyecto, en 1967, Soares viajó a Nueva York con la intención de reflotar su vínculo con Bishop. Sus intentos resultaron infructuosos y, al encontrar refugio en los barbitúricos, murió 7 días después de una sobredosis.
También mujer lesbiana, Elizabeth Bishop ganó el Premio Pulitzer de Poesía en 1956. Foto: edición de Cultura Diversa sobre imagen de Lottie.
Transcurridos 45 años de su fallecimiento, la UNESCO declaró a Río de Janeiro Paisaje Cultural Urbano. Entre los espacios verdes inscritos como Patrimonio de la Humanidad, se encuentra el Aterro o Parque do Flamengo de Lota Macedo Soares.
AL Hu
Arquitecte trans no binarie taiwanés-estadounidense, cuenta desde 2017 con la carrera de Arquitectura, Planificación y Preservación que se imparte en la Universidad de Columbia.
Durante los 2 primeros años tras su titulación, lideró la rehabilitación de un apartamento en una de las viviendas adosadas de brownstone (arenisca marrón) que caracterizan el barrio de Brooklyn (Nueva York). Según su página web, esta es su primera y única obra como arquitecte titular.
AL Hu (partidaria de la arquitectura LGTBIAQ) y el hueco de escalera en la vivienda que rehabilitó. Fotos: @CenterForArch y web de AL Hu, respectivamente.
Al Hu es, ante todo, una persona y profesional interdisciplinar, cuya misión vital consiste en aunar justicia de clase, género y racial con el diseño.
Por eso y por defender un cambio en el rol de les profesionales de la arquitectura (elle centra su discurso en ser facilitadore de espacios accesibles), una parte importante de su labor profesional va dirigida a participar en congresos como investigadora.
También, imparte clases como docente adjunte en las neoyorquinas Graduate School of Architecture, Planning and Preservation (a partir de agosto de 2022) y Bernard and Anne Spitzer School of Architecture (desde enero de 2023).
Y, por último, como indica su perfil en LinkedIn, en enero de 2025, inició su andadura como “Architect II” en Smith Group (San Francisco).
La cocina de la vivienda unifamiliar de Brooklyn. Foto: edición de Cultura Diversa sobre imagen procedente de la web de AL Hu.
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