Pentacrítica: Mónica Naranjo, Little Boots, Nimmo, Teclo y The Chainsmokers

El electroqueer es una etiqueta para agrupar a todes les artistas, pertenecientes al colectivo LGTBIQ, que se mueven por el universo de la electrónica y visibilizan su realidad, tanto en declaraciones como puestas en escena, pasando por las letras de sus canciones.

En esta pentacrítica, pueden considerarse electroqueer los discos The Power de Nimmo y Teclo del artista homónime. Junto a ellos, realizamos la crítica del debut de Mónica Naranjo, Jump de Little Boots y World War Joy de The Chainsmokers.

The Power de Nimmo, primer álbum del dúo electroqueer británico

Portada del álbum electroqueer The Power de Nimmo.

No More es el nombre de la canción que propusimos como uno de los himnos para el Orgullo LGTBIQ de este 2019.

Se trata del sexto adelanto que conocimos de The Power, el álbum debut de Nimmo. De estilo tech house, cierra The Power con un mensaje de despedida hacia una de las parejas de Sarah Nimmo o Reva Gauntlett, integrantes de Nimmo.

Antes, se sitúan 13 cortes, que se mueven, en general, por un minimalista trip hop (The Power), un sensual electro r&b/pop (It’s Easier y las magníficas Reason y The Actor), un potente techno (Skit) y por un deep house de intención depurada.

Decimos intención porque el refinamiento no impide que el electroqueer de tipo deep house de The Power conserve las grandes señas de identidad que lo hicieron uno de los géneros más importantes y reconocibles de los 90.

De este último género, destacan por encima del resto las enormes Everything I Wanted, Too Late y, sobre todo, Place to Rent, que es la que menos aboga por el minimalismo y la que más se acerca al deep house que se hacía en la última década del siglo XX.

También, The Power de Nimmo incluye synthpop (en el sensacional medio tiempo Dancing Makes Us Brave), spoken word (en el intro The Power) y el adictivo house/deep house de Unyoung y My Only Friend (incorpora nu disco).

Las letras de The Power de Nimmo

Este espectacular álbum de electroqueer comenzó a fraguarse en 2015, cuando Nimmo lanzaba Unyoung. Por eso, al igual que sucedía con Pez de RUBIO, sorprende lo bien que encajan, a nivel musical, todas las pistas del trabajo.

Respecto a las letras, el álbum discurre por la denuncia de la precariedad laboral, la decepción al no verse cumplidos los sueños, la reparación y superación personal, el desamor, el vacío existencial, traiciones de amigues, autocuidados, empatía y empoderamiento a través del baile.

Por cierto, todas aquellas composiciones que tratan el amor narran historias que les suceden a lesbianas, colectivo al que Nimmo quiere sacar de su infravisibilidad.

Teclo: electroqueer tenebroso

La portada de Teclo, artista de electroqueer.

Teclo se ha lanzado hacia una electrónica oscura, agresiva, alternativa y vinculada con el terror, cuyo objetivo es el de trascender, según sus propias palabras.

Las melodías oscuras no son ajenas a su trayectoria y, de hecho, este abrazo definitivo con ellas resulta un movimiento muy natural tras, por ejemplo, las canciones Thrill Prayer Intro, La Verdad Reloaded, Virgo y Thrill del interesante disco homónimo

De todas ellas, las más próximas a Blacker Future_The Enchanted Experiment, el arranque del EP, son la siniestra La Verdad Reloaded y la fantasmal Thrill.

Blacker Future_The Enchanted Experiment profundiza, aún más, los elementos terroríficos de las citadas composiciones, gracias a una espesa atmósfera fantasmagórica, dotada de reverberación de diferentes voces, gemidos y sonidos guturales propios de una bestia, así como de ecos al estilo horrorsynth.

La etiqueta electroqueer se hace notar en los versos de Teclo

Justo es en Blacker Future_The Enchanted Experiment, cuando Teclo, al contarnos que percibe una presencia en su casa, evidencia que el electroqueer corre por sus venas: “creo que mi novio sabe de este ente”.

Así de “agradable” debe de ser el aspecto del ente que Teclo siente, a tenor de su descripción: “como un fantasma sacado de una película de terror, como en The Ring”. Foto: Dreamworks Pictures.

Los ritmos amenazantes continúan en el interludio Tryin’ to Paint a Rainbow. Comienza a piano, con un ritmo esperanzador, que se vuelve inquietante a partir de la gélida carcajada del segundo 27.

Por último, este EP de electroqueer se cierra con Heavy Cross, una melancólica y soberbia balada a piano, acompañada de sintetizadores y algún que otro sonido escalofriante.

Pese a estos últimos elementos, Heavy Cross es un tema positivo, ya que representa un Vía Crucis, desde el dolor que provoca el estigma por ser homosexual hasta el momento en el que somos capaces de alcanzar un estado de paz y amor con nosotres mismes.

Especial por los 25 años de Mónica Naranjo, el álbum debut de la Pantera de Figueres

Portada de Mónica Naranjo, un debut que cumple 25 años este 2019.

Retrocedemos hasta 1994 para hablar del debut homónimo de Mónica Naranjo.

Por aquel entonces, la cantante vivía en México, país al que había emigrado, 2 años antes, para “hacer las Américas”, después de que su carrera musical no despegara en España.

Escrito, compuesto y producido, en su mayor parte, por Mónica Naranjo, Cristóbal Sánsano y Cheni Navarro, fue un éxito en el país norteamericano, donde se estima que vendió entre 900.000 y 1.100.000 copias (en AMPRFON, no existen datos de discos certificados antes de 1999).

Aunque en España pasó desapercibido, cuando Naranjo lanzó el álbum Palabra de Mujer (1997) y triunfó también aquí, Mónica Naranjo conseguía vender, al menos, 100.000 copias (disco de Platino, por aquel entonces), según confirmaba en la famosa rueda de prensa donde afirmaba cantar, producir y componer como nadie.

El impacto comercial de Mónica Naranjo no se quedó en México y, en mucha menor media, en España, sino que también llegó al mercado latino de Estados Unidos.

Allí, el tema Llorando Bajo la Lluvia alcanzó la vigésimo novena posición en la lista de canciones latinas de Billboard y el álbum logró la certificación Platino, hazaña que repitió con Palabra de Mujer. En ambos, casos, por ventas de 100.000 unidades.

El Amor Coloca, Sola o Supernatural, puro sabor noventero en el debut de Mónica Naranjo

Publicado el 14 de marzo de 1994, Mónica Naranjo consta de 9 canciones originales y una versión de Love’s About to Change My Heart (Donna Summer, 1989), bajo el nombre de Fuego de Pasión.

Este trabajo comienza con El Amor Coloca, también primer sencillo. Se trata de un magnífico medio tiempo dance y deep house sobre el poder transformador del amor. Tal y como ocurría con God Control de Madame X o Mother’s Daughter de She Is Coming, El Amor Coloca es un tema para escuchar en bucle durante horas.

Le sigue Sola, balada que presenta cierto deje aflamencado, tanto en voz como arreglos. De letra atemporal sobre un amor prohibido (ahora que sabemos que Naranjo es bisexual, ese “amante valiente” podría ser una mujer), cuenta con una producción cuidada que, pasados 25 años, se ha quedado un poco desfasada.

Similar, aunque totalmente pop, acompañada de violines y guitarra, es Óyeme. La melodía conjuga un poco de música ambiente con el sonido propio de las baladas “marca Laura Pausini” de los noventa.

Desde el punto de vista musical, todo ello da lugar a una minimalista e impecable balada, cuyo mensaje la convierte en predecesora de Sin Ti No Soy Nada (Amaral, 2002). La razón es que la letra está plagada de referencias al amor romántico: “la vida no es vida si tú no estás junto a mí” o “ahora sola me quedo yo sin rumbo y sin tus caricias”.

Petardeo y juegos de voz

Tras 2 canciones de tono melancólico, la felicidad vuelve a tomar el control de Mónica Naranjo con el house, hi-nrg y synthpop de Supernatural. Festiva y muy petarda, es una seductora invitación a pasar una noche de amor con Naranjo.

A continuación, llega el segundo momento más álgido del debut de Mónica Naranjo (el primero es El Amor Coloca). Nos referimos a Dame Tu Calor, una balada clásica en la que la artista evidencia, de forma sosegada, los privilegiados graves y agudos de su portentosa voz.

Pese a que fue single y a que la adaptación al español es correcta, la deep house y ligeramente petarda Fuego de Pasión se encuentra entre lo peor de este disco. Eso sí, a nivel vocal, Naranjo entrega una desatada interpretación, germen de lo que estaba por llegar (Desátame, Pantera en Libertad, Sobreviviré…).

Después de la floja Llorando Bajo la Lluvia, aparece otro clásico de la discografía de Mónica Naranjo, Solo Se Vive Una Vez. También deep house, es toda una oda al carpe diem, desde el punto de vista de las relaciones de pareja.

Y tras la olvidable Hoy la Luna Sale Para Mí (pop latino), el debut de Mónica Naranjo se despide con la hipnótica balada Amor Es Solo Amar, una de las mejores canciones de la etapa Mónica Naranjo-Chicas Malas.

Veredicto sobre el álbum Mónica Naranjo

Han pasado 25 años y se nota. No tanto por el deep house, sino por cuestiones relativas a la producción o en que muchos de los temas terminan en fundido.

Imagen promocional del debut de Mónica Naranjo, cuando empezó a lucir su característico pelo bicolor (foto: 20Minutos).

Después de este álbum, ¿vendrían tiempos mejores? Desde luego, pero de lo que no hay duda es de que Mónica Naranjo arrancó su carrera con un trabajo sólido para la futura estrella del pop que España necesitaba.

Jump de Little Boots: otra gema de hipnótica electrónica para la colección

Portada de Jump de Little Boots, inspirada en #flauntyourwealth.

Transcurridos casi 2 meses desde que se cumplieron 10 años del lanzamiento de Hands, el álbum debut de Little Boots, llegaba a las plataformas digitales Jump.

Se trata de un EP, que sucede al exquisito Burn (2018), en el que, de nuevo, muestra una electrónica situada en un punto intermedio entre su último disco de estudio (Working Girl, 2015) y la Róisín Murphy más experimental, pero sin perder del todo de vista la inmediatez pop.

También de 4 canciones, Jump de Little Boots deja a un lado el electropop, synthpop o deep house de Burn e impregna todo el EP del tipo de música que pincha en sus sesiones de DJ, la actividad con la que gira por todo el mundo desde hace años.

Un renacer personal a golpe de house

Según declaraba Little Boots a FLAUNT, los últimos años han sido muy turbulentos para la artista. De hecho, a los continuos viajes por sus sesiones de DJ se sumó una dolorosa ruptura con su pareja.

Por eso, Jump es un trabajo de catarsis y de tono optimista con el que se ha atrevido a llevar a su discografía la electrónica propia de su carrera como DJ, una aún menos comercial que la que ha entregado desde su segundo disco Nocturnes (2013).

Como consecuencia, las melodías y diferentes texturas house son las grandes protagonistas. Eso sí, al ser también cantante, Little Boots no descuida su voz, que se entrelaza a la perfección, como un elemento más de las canciones.

Jump, similar, pero no igual a Burn

Si en Burn, Little Boots se rodeaba de mujeres creadoras (2 lesbianas visibles [Cora Novoa y Lauren Flax] y Joyce Muniz) y de la artista electroqueer Planningtorock para hablar sobre asuntos de corte melancólico (la difícil relación con las redes sociales, la insatisfacción, el desamor y los anhelos incalcanzables), en Jump, solo cuenta con Kiddy Smile (gay visible de la escena voguing francesa) en Lesson.

Además, como adelantábamos en el apartado anterior, Jump se caracteriza por abordar cuestiones luminosas. Así, la irresistible canción homónima, de un depurado house (aderezado con lo que parecen ser unos bongos), trata sobre la seguridad de atreverse a vivir y, por tanto, de correr riesgos, que también alcanzan la vida sentimental.

La siguiente canción que suena es Secret. Se trata, según las propias palabras de Little Boots, de un homenaje al pop minimalista del Slow de Kylie Minogue. De melodía más oscura que Jump, gracias a una sofisticada fusión de tech house y trance, habla sobre  el tonteo a la hora de ligar.

Al final, el amor es la respuesta. Esto viene a decir Lesson, otra fantástica composición tech house de Little Boots.

Kiddy Smile, artista electroqueer y activista LGTBIQ, en la alfombra roja del Festival de Cannes 2019 (foto: página de Facebook de Smile).

Desde Nocturnes, Kylie Minogue es una influencia clara en la música de la artista. Canciones como Beat Beat, Confusion, Shake, Get Things Done o Eros daban buena cuenta de ello y a estas se suman la ya citada Secret y, también, Mistake.

Lo hace, eso sí, de una forma solo palpable para súper fans, mediante house y el estilo clave: trance ibicenco. Este último fue abordado por Minogue en el tema que daba título a Lights Years, el álbum del renacer comercial de la artista. Es hasta poético.

World War Joy de The Chainsmokers

Portada de World War Joy de The Chainsmokers, un trabajo que llega menos de un año después de Sick Boy.

Con el sexto EP de su carrera y futuro tercer álbum de estudio, el dúo formado por Alex Pall y Andrew Taggart continúa explotando el sonido que les llevó al éxito y, también, al ninguneo durante la era Sick Boy (2018): música de playlist de Spotify, de melodía melancólica y estribillo instrumental.

Y es que, pese al notorio fracaso de Sick Boy, tanto el EP, álbum y sencillos, en las listas de ventas, sus cifras de streaming se mantuvieron en niveles más que aceptables.

Por ejemplo, la canción homónima, que pinchó en Estados Unidos y Reino Unido (aunque se coló en el top 10 de países europeos como Alemania, Suecia, Noruega o Eslovenia), lleva casi 300 millones de reproducciones en Spotify, en torno a 50 millones más que breathin del álbum Sweetener (2018) de Ariana Grande (#12 en Estados Unidos u #8 en Reino Unido y Australia).

Ya este 2019, 2 de los 5 temas de World War Joy, Who Do You Love (con 5 Seconds Of Summer) y Call You Mine (con Bebe Rexha), superan los 220 y 137 millones de reproducciones, respectivamente.

Lanzados en febrero y mayo, ninguno ha conseguido situarse dentro del top 50 estadounidense ni destacar, de manera especial, en ningún territorio.

Eso sí, gracias a su potencial como composiciones de playlist (la payola de esta década), algo que, en cierto modo, les resta alma (no son temas malos, pero sí genéricos y fácilmente reemplazables), aparecen en multitud de ellas y sus cifras quedan maquilladas con una capa de éxito, que, en realidad, es fracaso, ya que The Chainsmokers es un dúo que se escucha, pero que desde Something Just Like This (2017) no se consume.

¿Cómo son las canciones del EP World War Joy?

Después de ese pequeño intento por refinar su sonido, materializado en Sick Boy (sobre todo, en cortes como el homónimo, Side Effects o Hope), la principal sensación que deja World War Joy es de paso atrás.

La culpa de ello reside en los 2 primeros temas, Takeaway (junto a Lennon Stella e Illenium) y Call You Mine, 2 descarados intentos por marcarse unos nuevos Closer (su único #1 en Estados Unidos) o Don’t Let Me Down.

De eficaz estilo future bass (Call You Mine cuenta con un estimulante aderezo de guitarras eléctricas), tratan sobre relaciones de pareja que están al borde del abismo.

En un terreno más electropop y, por tanto, menos vinculable con las canciones que The Chainsmokers elije para promocionarse, es Do You Mean (junto a Ty Dolla Sign y bülow), la segunda mejor composición del trabajo, que aborda, de nuevo, el tema de una relación con problemas.

La corona es, sin embargo, para la siguiente Kiss You Slowly, de unos suaves r&b y trap. Incide en el monotema del EP y, como curiosidad, esta es la única pista de World War Joy en la que no viene acreditade intérprete algune.

Por último, World War Joy se cierra de una forma mucho más satisfactoria de como empieza. Who Do You Love, como se llama esta última pista, fusiona, de forma más que aceptable, melodía r&b y folk y estribillo instrumental con los momentos más pop de Youngblood (2018), el último disco de 5 Seconds Of Summer.

A diferencia de lo que sucedía con Sick Boy, ahora sí sabemos que estas 5 canciones no son todo lo que el dúo ha preparado para la era World War Joy.

Como consecuencia, el veredicto no es definitivo, pero, por ahora, todo parece indicar que, visto el sostenido éxito en streaming, The Chainsmokers van a correr los menos riesgos posibles.